Glosario - Términos y conceptos

Este glosario está en constante actualización.


Browse the glossary using this index

Special | A | B | C | D | E | F | G | H | I | J | K | L | M | N | O | P | Q | R | S | T | U | V | W | X | Y | Z | ALL

Page:  1  2  3  4  5  (Next)
ALL

A

Acento

El acento es un especial énfasis que se aplica a un determinado pulso.

Altura

Es la cualidad que diferencia a un sonido agudo de un sonido grave. Esto depende de la frecuencia del sonido, que es la que determina el nombre de las notas.

Armonía

La armonía es una disciplina que estudia la organización de los acordes. La armonía es una música en la que se suelen ejecutar distintas notas musicales (disposición vertical) en forma simultánea y coordinada de manera que dotan a la obra de un contexto sonoro y musical. La armonía suele ser un acompañamiento sonoro que complementa la identidad de la melodía, y se sitúa en segundo plano sonoro, por detrás de la melodía.

Con la armonía podemos combinar los acordes de manera que consigamos diferentes tipos de sensaciones, como relajación, sosiego, tensión, hiriente, romántico, etc.

Las tipologías de armonía, al igual que la melodía, dependen no solo de los sonidos armónicos utilizados, sino del contexto cultural y social al que pertenezca. Así, lo que para un occidental puede sonar como armonía disonante, para un oriental, puede sonar como armonía consonante.

En definitiva, la armonía es el acompañamiento, la base de una o más melodías.

Armónicos

Toda nota musical está compuesta por una serie de intervalos cuyos sonidos suenan simultáneamente. Es decir, una nota musical está compuesta en su esencia por una onda de presión de aire. Esta onda sonora está acompañada por una serie de frecuencias de emisión o armónicos. Estos armónicos dan al instrumento su timbre particular.

C

Clave

Es un signo musical que nos indica la tesitura de la música escrita, asignando una determinada nota de referencia a una línea del pentagrama. A partir de esta nota de referencia se establecen los nombres del resto de las notas.

Son signos que nos determinan el nombre de las notas en las líneas y espacios.

Las claves son tres: clave de Sol, clave de Fa y clave de Do.

El piano utiliza la clave de Sol para la mano derecha y la clave de Fa para la mano izquierda. La guitarra utiliza la clave de Sol.

El bajo eléctrico utiliza la clave de Fa.

Los instrumentos de percusión (excepto timbales e instrumentos de láminas) no utilizan clave.

Clave de Sol

La grafía musical surge como una necesidad de registrar la inmensa cantidad de información que se venía transmitiendo desde antiguo por tradición oral.

Muchas son las maneras de registrar la música y, a diferencia de la escritura del lenguaje oral, la grafía musical puede utilizar distintos códigos en función del objetivo que busca.

La clave de sol es un símbolo que proviene de la evolución estilizada de la letra G, que en notación musical anglosajón significa Sol. 

El símbolo es una espiral similar a una G que se une a una especie de S.

La espiral central nos indica la nota de referencia. En este caso el Sol. Por lo tanto la posición de la espiral en la segunda línea del pentagrama nos muestra que la nota de referencia para esta clave es el Sol en la segunda línea. De esta manera el nombre completo de esta clave será Clave de Sol en Segunda.

Compás

Agrupación de pulsos (llamados tiempos) en grupos de dos, tres, cuatro, etc.

En todos los compases el primer tiempo es más fuerte que el resto.

Los compases se representan por dos cifras en forma de quebrado. Ejemplos:

3/4      2/4      4/4       6/8     9/8       12/8        5/4


El numerador indica el número de figuras que entran en un compás.

El denominador indica el tipo de figura según la siguiente relación:

1 = Redonda 2 = Blanca 4 = Negra 8 = Corchea


Se organizan según la estructura de la división principal de los pulsos en:

- Compases binarios si su división principal es múltiplo de 2.

Compases terciarios si su división principal es múltiplo de 3. 


A su vez se estos compases se pueden subdividir en compases de subdivisión binaria, lo cual nos indica que entran dos figuras en cada tiempo o pulso, o de subdivisión terciaria, lo cual nos indica que entran tres figuras en cada tiempo o pulso.

Compás de 2 / 4

El numerador indica que tiene dos figuras por compás y el denominador que la figura es la negra. El compás lo completarán dos negras o cualquier combinación de figuras y silencios cuya suma de duraciones equivalga a dos negras.

El primer tiempo es fuerte y el segundo débil.

Compás de 3 / 4

El numerador indica que tiene tres figuras por compás y el denominador que la figura es la negra. El compás lo completarán tres negras o cualquier combinación de figuras y silencios cuya suma de duraciones equivalga a tres negras. El primer tiempo es fuerte, el segundo débil y el tercero más débil.

Compás de 4 / 4

El numerador indica que tiene cuatro figuras por compás y el denominador que la figura es la negra. El compás lo completarán cuatro negras o cualquier combinación de figuras y silencios cuya suma de duraciones equivalga a cuatro negras. El primer tiempo es fuerte, el segundo débil, el tercero menos fuerte que el primero y el cuarto más débil que el segundo.

Cualidades del sonido

Son las características que definen un sonido.

Son cuatro. 

- Altura 

- Duración

- Intensidad

- Timbre

D

Diapasón

Dispositivo metálico en forma de horquilla que se utiliza como referencia para afinación de los instrumentos musicales. Su forma hace que genere un tono muy puro, cuya mayor parte de energía vibratoria se centra en la frecuencia fundamental, sin que se acoplen sobretonos o armónicos.

Duración

Es la cualidad del sonido que determina el tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. Se relaciona con el ritmo.

E

Elementos de la música

La organización de los sonidos, silencios y voces según la forma de percepción, o la intención con la que fueron compuestos nos da los parámetros fundamentales de la música.

Nos encontramos con los siguientes elementos básicos en la música:

MELODÍA

ARMONÍA

RITMO

Escala diatónica

La escala diatónica es una escala musical formada por intervalos de segunda consecutivos.

Existen dos modos de escala diatónica:

- Mayor

La escala diatónica mayor se forma a partir de una serie ordenada según el siguiente orden:

Tono - Tono - Semitono - Tono - Tono - Tono - Semitono

- Menor

La escala diatónica menor  tiene relación con la escala mayor a razón de Tono y medio por debajo. Es decir, toda escala mayor tiene una relativa menor coincidentes en todas las notas, con la diferencia de que en el caso de la escala menor se comienza por tono y medio por debajo de la tónica de la escala mayor. Las escalas menores, tienen diferentes subdvisiones según su estructura de intervalos:

Natural: Tono - Semitono - Tono - Tono -  Semitono - Tono - Tono

Armónica: Tono - Semitono - Tono - Tono - Semitono - Tono y Semitono - Semitono

Melódica ascendente: Tono - Semitono - Tono - Tono -  Tono - Tono - Semitono

Melódica descendente: Tono - Tono - Semitono - Tono - Tono -  Semitono - Tono

F

Figuras

Representan la duración de los sonidos. Las figuras más usadas son: Redonda, Blanca, Corchea, Semicorchea. 

Cada figura dura el doble de la siguiente y por tanto la mitad de la anterior.

Las figuras constan de cabeza, plica y corchete. La cabeza situada en línea o en espacio del pentagrama nos indicará el nombre de la nota en función de la clave utilizada.

A saber:

La redonda solamente tiene cabeza.

La blanca tiene cabeza y plica.

La negra consta de cabeza (rellenada en negro) y plica.

Las corcheas y semicorcheas añaden uno o dos corchetes a la plica.

Iremos descubriendo poco a poco la manera de unir o barrar las figuras y las reglas de una correcta escritura, de cómo colocar los corchetes, etc...

H

Historia de la Música - Introducción y Periodos

Toda cultura conocida ha tenido alguna manifestación musical. En consecuencia la historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas. En este caso, y como consecuencia de la educación histórica a la que Occidente es sometida, nos centraremos en la Historia de la Música Occidental, es decir la historia de la música Europea y su evolución, teniendo en cuenta que existen muchas variantes dependiendo de la sociedad y la época.

Se puede considerar que la música nace con el ser humano, existen estudios que afirman que la música ya estaba presente mucho antes de la extensión del ser humano por el planeta, hace más de 50.000 años.

A rasgos generales se puede considerar un esquema histórico similar al siguiente:

1- Prehistoria (50.000 a.C. - 5.000 a.C.)

2- Mundo Antiguo (5.000 a.C. - 476 d.C.)

3- Edad Media (476 - 1500)

4- Renacimiento (1500 - 1600)

5- Clásica (1600 - 1900)

    a. Barroco (1600 - 1750)

    b. Clasicismo (1750 - 1800)

    c. Romanticismo (1800 - 1900)

    d. Impresionismo (1860 - 1940)

6- Moderna y contemporánea (1940 - Actualidad)

    a. Música modernista y contemporánea académica

    b. Jazz

    c. Música comercial

7- Música popular

Historia de la Música: 01- Prehistoria

Prehistoria (50.000 a.C. - 5.000 a.C.)

Todo aquello que esta vívo, se mueve. Y todo aquello que se mueve provoca un sonido.

El hombre primitivo consideraba que existían dos señales que evidenciaban la separación entre la vida y la muerte: El movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. En la música prehistórica, la danza y la música se funden como símbolos de vida.

El hombre primitivo utilizaba la naturaleza y la voz para producir sonidos. Rudimentarios objetos como huesos, cañas, troncos, conchas, etc, hacían de instrumentos musicales.

En el 3000 a.C. existen indicios que en Sumeria ya existían instrumentos elaborados de percusión y cuerda (lira y arpa)

La música era una consecuencia de los rituales de caza, guerra, fiesta...

La música era básicamente ritmos y movimientos que imitaban a los animales.

Historia de la Música: 02 - Mundo Antiguo

Mundo Antiguo (5.000 a.C. - 476 d.C.)

Nos encontramos con las grandes civilizaciones avanzadas, Egipto, Mesopotamia, Grecia, Roma y China. Cada una de estas civilizaciones, requeriría un estudio minucioso, pero de manera general, se sabe que la música formó parte activa en todas estas civilizaciones. Los músicos adquirieron gran prestigio, llegando a acompañar a aquellos que estaban en el poder para participar en sus ceremonias de palacio y en las guerras.

Se utilizan instrumentos avanzados como el arpa, lira, cítara, aulós, siringa, flauta de pan, tambores como el tympanon, crótalo, címbalo, sistro, castañuelas, etc.

Todavía no existía un lenguaje musical tal y como lo conocemos hoy en día.

Historia de la Música: 03 - Edad Media

Edad Media (476 - 1500)

Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música del periodo tardío romano.

La evolución de las formas musicales apegadas al culto se resolvió a finales del siglo VI en el llamado canto gregoriano.

La música monódica (una voz) profana comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI y XII) y alcanzó su máxima expresión con la música de los menestrelli, juglares, trovadores y troveros, junto a los minnesinger alemanes.

Con la aparición en el siglo XIII de la escuela de Nôtre-Dame de París, la polifonía alcanzó un alto grado de sistematización y experimentó una gran transformación en el siglo XIV con el llamado Ars Nova, que constituyó la base de la que se sirvió el humanismo para el proceso que culminó en la música del Renacimiento.

El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia Católica. Solían ser obras de autores desconocidos, cantadas por hombres, a capella y de manera monódica, escritas principalmente en latín y de ritmo libre, controlado por los gestos del maestro. La melodía se mueve en grados conjuntos y los llamados ocho modos gregorianos. La música comienza a tener un lenguaje propio. 

Se comienza a escribir sobre el llamado tetragrama (4 líneas), y las figuras representaban la altura de las notas. Este sistema lo desarrollo el monje Guido d'Arezzo (991 - 1050). Poco a poco irá evolucionando hasta convertirse en el sistema de lenguaje que conocemos hoy en día 

Los instrumentos más utilizados eran el laúd, la viela, el organistrum (3 cuerdas) y el arpa.

Historia de la Música: 04 - Renacimiento

Renacimiento (1500 - 1600)

Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca los siglos XV y XVI, cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el Barroco. Es una etapa corta, pero de las más importantes dentro del mundo cultural y artístico. En esta época se van a dar cita personajes de la talla de Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Rafael, El Greco, Cervantes, Shakespeare,...; que desarrollarán la cultura y el arte como nunca antes había ocurrido.

Se crea el lenguaje musical que conocemos hoy en día.

El incremento de la cultura musical, que viene establecido por las ideas humanistas sobre la importancia de la cultura, además de por la invención de la imprenta, ya que ahora se empiezan a imprimir las primeras partituras.

Existe un notable desarrollo de la música profana e instrumental, también influidos por el espíritu humanista. Cada vez se crea más música de carácter no religioso y en detrimento de la música sacra. Recordemos que la iglesia había menospreciado la música instrumental, y ésta ahora experimentará un gran desarrollo.

Se produce una profesionalización de los músicos: la música sigue creciendo en complejidad, como ya lo había hecho en los últimos siglos de la Edad Media. Esto obliga a los músicos a especializarse y a dedicar su vida a este arte.

Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir de la música instrumental que hasta entonces había estado marginada. Ahora poco a poco irá ganando prestigio y relevancia debido en gran medida a la laicización de la música promovida por el pensamiento humanista. Por primera vez en la historia se va a componer música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite del oído. Este tipo de música evolucionará en campo profano ya que la Iglesia continúa con su prohibición del uso de instrumentos en los actos religiosos. Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a difundir muchos libros con partituras y teoría musical, por lo que mucha gente va a poder acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un instrumento.

Destacan compositores como Adrián Willaert, Pierre Attaignant, Clement Janequín, Claude Le Jeune, William Byrd, John Dowland, Esaías Reusner, Johann Pachelbel, Heinrich Schütz, Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales, Francisco Guerrero, Luis de Narváez, Gaspar Sanz y Juan del Encina.

Historia de la Música: 05 - Clásica

a. Barroco (1600 - 1750)

La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y primera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750-1760. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania durante el barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la historia de la música.

La palabra Barroco significa recargado, excesivo o adornado, por lo que es común encontrar obras de arte en las que no queda ni un espacio que rellenar. A esto se le conoce con el nombre de "Horror Vacui" (miedo al vacío).El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho en el Renacimiento, sino que fundamenta su pensamiento en torno a dos aspectos opuestos: la RAZÓN y el SENTIMIENTO. La razón en cuanto que intentan buscar la lógica y el lado científico de todo. El sentimiento del ser humano que se hará evidente en todos los campos; en el musical sobretodo en la ópera.

Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical.

Así pues, en este periodo se busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo, tonalidad,...) como forma de ordenar y racionalizar la música.

La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo un gran peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica aprovecharán las innovaciones que se dan en la música profana para crear nuevas formas.

EL ORATORIO

LA CANTATA

LA PASIÓN

Aparece la ópera, como experimento de un grupo de artistas Florentinos a finales del siglo XVI.

Mediante un análisis de la tradición griega, consiguen una nueva forma en la que se conjuga música y palabra. A partir de entonces, la ópera se convertiría en el género más representativo de la época.

Surgirán diferentes tipos de óperas siendo dos los principales:

ÓPERA SERIA

ÓPERA BUFA

En cuanto a la música instrumental, se logra la total autonomía. Desempeña un papel decisivo la evolución técnica de los instrumentos y el nacimiento de la orquesta. Surge la figura del virtuoso.

Gracias a este desarrollo, los compositores logran crear obras de gran expresividad.

Aparecen nuevas formas musicales

MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS

MÚSICA DE CÁMARA

MÚSICA PARA ORQUESTA (Suite, Sonata, Concierto)

Destacan compositores como Jean Baptiste Lully, Dietrich Buxtehude, Johann Pachelbel, Arcangelo Corelli, Henry Purcell, Alessandro Scarlatti, Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, Jean Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Doménico Scarlatti y Georg Friedrich Handel.


b. Clasicismo (1750 - 1800)

El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Suele fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que marca la transición de la Edad Moderna a La Edad Contemporánea.

El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña nobleza.

La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos. En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no pueden copiar los modelos clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la belleza y la perfección forma.

La música clásica tiene unas características muy significativas. Los compositores de este periodo orientan su música hacia un equilibrio basado en la proporción y el orden, una claridad que se transmite a través de melodías y armonías simples y una sencillez que permite al oyente una gran facilidad de comprensión.

Estos son los tres ideales de la música del Clasicismo, que quedan plasmados en una nueva forma de componer. La música de esta época es refinada, elegante, contenida y equilibraba.

La ópera (tanto Seria como Bufa) adquiere su mayor esplendor.

La música instrumental del Clasicismo gira en torno a las siguientes agrupaciones:

MÚSICA DE CAMARA (todo tipo de agrupaciones de instrumentos)

ORQUESTAS (es el medio de expresión más utilizado)


Se trabajan numerosas formas musicales, sin embargo destacan las siguientes:

SONATA

SINFONÍA

CONCIERTOS PARA SOLISTA Y ORQUESTA.

Destacan compositores como Carl Philipp Emanuel Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Christoph W. Gluck, Christian Gottlob Neefe, Johann Stamitz, Florian Leopold Gassmann, Georg Monn, Georg Christoph Wagenseil, Luigi Boccherini, Ferran Sors y Antonio Soler.


c. Romanticismo (1800 - 1900)

Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890, aunque hay corrientes que presentan características románticas antes de estas fechas y en algunos países se extenderá hasta bien entrado el siglo XX. Entre el Clasicismo y el Romanticismo no hay una línea divisoria estricta, sino una lenta y poco definida transición que nos permite hablar de continuidad.

Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan nuevas formas de expresión que les permitan dar rienda suelta a su impulso creador. En esta época de anhelo de libertad, los artistas se independizan de los mecenas y van a crear obras para un público que en ocasiones le adora y, a menudo, tarda en comprenderle. El principio fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación de las pasiones en todas sus obras. Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte", sin condicionantes y sin tener que respetar todas las normas formales y estructurales que se habían impuesto en el periodo anterior. Los artistas van a ser genios creadores que son reconocidos como tales por el resto de la gente. El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la música, ya que por primera vez, este arte adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima del resto de las artes; la música es capaz de transmitir la verdadera esencia de las cosas. 

El vehículo apropiado para conseguir influir en el ánimo del oyente será el piano. El piano se convertirá en el instrumento estrella del periodo, por la gran capacidad de crear una atmósfera íntima.

La ópera evolucionará y llegará a su cumbre más alta, convirtiéndose en el espectáculo preferido de la burguesía.

La música instrumental se desarrolla en diversos géneros, unos nuevos, y otros consecuencia de la evolución de los periodos anteriores.

EL LIED

MÚSICA DE CÁMARA

MÚSICA PARA ORQUESTA (Sinfonía, Concierto para Solista, música programática)

MÚSICA PARA PIANO

El Romanticismo tiene 3 subperiodos diferenciados.

Romanticismo, Post-Romanticismo (Orquestas muy numerosas, llevan al límite la exaltación de la individualidad y de los estados de ánimo) y Nacionalismo (Evolución del folclore popular).

ROMANTICISMO

BERLIOZ, BIZET, BRAHMS, CHOPIN, DONIZZETI, LISZT, MENDELSSOHN, MEYERBEER, OFFENBACH, PAGANINI, PUCCINI, ROSSINI, SCHUBERT, SCHUMANN, TCHAIKOVSKI, VERDI, WAGNER, WEBER.

POST-ROMANTICISMO

MAHLER, STRAUSS.

NACIONALISMO

ALBENIZ, BARTOK, BORODIN, DVORAK, FALLA, GERSHWIN, GLINKA, GRANADOS, GRIEG, KODALY, MUSSORGSKI, PEDRELL, RIMSKI-KORSAKOV, SIBELIUS, SMETANA.


Historia del Piano

El piano actual es la consecuencia de la evolución continua de diferentes instrumentos primitivos. El instrumento musical de cuerda más antiguo que inicia la línea evolutiva del piano es la cítara, originario de África y del sudeste de Asia, y se remonta a la Edad de Bronce (300 a.C.).

Posteriormente la cítara evolucionó al monocordio, que a diferencia con su predecesor, éste solo poseía una sola cuerda mucho más larga por nota, que vibraba sobre una pequeña caja de resonancia de madera.

Tras el monocordio, apareció el salterio, muy parecido a la cítara (varias cuerdas por notas) pero con forma trapezoidal en función de las distintas longitudes de sus cuerdas.

Esa forma trapezoidal del salterio evolucionó y dio paso al diseño de los primeros clavecines, cuya principal innovación era su mecanismo para evitar que las cuerdas estuvieran en contacto con los dedos. Tras varios experimentos nació el clavicordio, un instrumento que vibraba mediante una pequeña aguja accionada por unas teclas que hacían mover la aguja para que vibrara la cuerda. Tras el clavicordio, apareció el clave, que utilizaba un plectro (punta de las plumas de las aves) en lugar de una aguja. Siglos después, la evolución e investigación a partir del clavicordio demostró que existían medios mucho más eficaces para construir la caja de resonancia, el puente y el teclado.

La invención del piano moderno se atribuye a Bartolomeo Cristofori de Papua, el cual era un experto fabricante de clavicémbalos. Ayudado por sus mecenas, la familia Médici, consta en 1700 la existencia del primer piano. Cristofori lo denomino gravicembalo col piano y forte. Los macillos de madera cubiertos de cuero y su sistema de retroceso permitían que el sonido de este nuevo instrumento fuese mucho más suave y sostenido, a diferencia de sus antecesores, que tenían un sonio mucho más metálico y estridente.

A partir de este momento, muchos fabricantes han contribuido en aportar mejoras y avances hasta llegar al piano actual, pero el concepto y la idea fundamental para su construcción continúan siendo las mismas.

I

Instrumentos Musicales

Se llama instrumento musical a todo aquel generador de sonido que sirve en a la concreción de ideas y órdenes musicales La división de los tipos de instrumentos se realiza en función del modo de producción del sonido.

- Voz

- Percusión

- De cuerda (Cordófonos)

- De viento (aerófonos)

- Electrófonos


Cada instrumento tiene un timbre diferente, lo cual se explica por la disposición de sus armónicos.

En función de su construcción y sus características físicas, cada instrumento se moverá en diferentes tesituras.

Instrumentos Musicales: Voz

El sonido está producido por el aparato fonador humano, es decir, el sonido se produce debido a la vibración de las cuerdas vocales de nuestra garganta. Se pueden diferenciar dependiendo de la tesitura (rango de notas en la que la voz canta más cómodamente) y el timbre.

Voces claras 

Normalmente atribuidas a las mujeres y niños. La clasificación de voces claras de más aguda a más grave es la siguiente:

Soprano

Mezzo-soprano

Contralto


Voces oscuras 

Habitualmente atribuidas a los hombres o mujeres con tesituras graves, La clasificación de voces oscuras de más agudo a más grave es la siguiente:

Tenor

Barítono

Bajo

Instrumentos Musicales: Aerófonos

Resonadores de aire. En la práctica se dividen en tres grandes grupos.

Viento madera. Clarinete, saxofón (se construyen con diversos materiales), flauta(se construyen con diversos materiales), oboe, etc.

Viento metal. Conjunto de válvulas metálicas, que en función de su longitud y diámetro dará un sonido más agudo o grave. Instrumentos de viento metal son la.trompeta, trombón, trompa, bombardino, tuba, etc.

Otros instrumentos. Órganos, armónicas, acordeón, etc.

Instrumentos Musicales: Cordófonos

Resonadores con cuerdas que vibran

Cuerda frotada. El mecanismo de producción del sonido es mediante una cuerda frotada por un arco o similar. Violín, viola, violoncello, contrabajo, etc

Cuerda percutida. El sonido se produce mediante la percusión de la cuerda, ya sea manualmente o mediante un mecanismo de acción. Piano, arpa, etc.

Instrumentos Musicales: Electrófonos

Resonadores de corriente eléctrica. Son instrumentos con aparatos de ejecución y amplificación.

Instrumentos Musicales: Percusión

Idiófonos (autorresonadores) Son instrumentos de percusión sin parche (platos, triangulo, tubos, raspadores...)

Membranófonos. Son instrumentos de percusión de parche. Se les llama también resonadores de membrana (Tambor, timbales, bombo...)

Existe otra clasificación para los instrumentos de percusión que se basa en la capacidad de dar diferentes sonidos. Existen intrumentos de percusión de altura determinada (timbales, xilófonos,...) y de altura indeterminada.

Intensidad

Es la cualidad del sonido que diferencia un sonido suave y un sonido fuerte.

Depende de la fuerza con la que el elemento sonoro sea ejecutado y de la distancia del receptor de la fuente sonora.

Intervalo

En música es la distancia sonora que hay entre dos sonidos diferentes. Los intervalos se nombran contando el número de notas que hay entre las dos (ambas inclusive), poniendo este número en ordinal y en femenino. Los intervalos pueden ser ascendentes o descendentes.

El intervalo más pequeño que separa dos notas consecutivas es el de segunda. Los intervalos de segunda están a distancia de un tono, excepto de MI a FA y de SI a Do que hay una distancia de semitono.

DO (tono) RE (tono) MI (1/2tono) FA (tono) SOL (tono) LA (tono) SI (1/2tono) DO

Diremos que una segunda es menor cuando es de medio tono.

Cuando la segunda sea de un tono diremos que es mayor.


Clasificación de los intervalos

Los intervalos se clasifican en mayores o menores según sea su tamaño contado en tonos y semitonos.

Un intervalo es aumentado cuando es medio tono más grande que el mayor y es disminuido cuando es medio tono más pequeño que el menor.

Los intervalos son ascendentes cuando van del grave al grave y descendentes cuando van del agudo al grave.

Segundas. Es la distancia que separa a dos notas sucesivas.

Es mayor cuando la distancia que separa las dos notas en un tono y es menor cuando la distancia que separa las dos notas es de medio tono.

Terceras. Es la distancia que hay entre tres notas.

Es mayor cuando la distancia es de dos tonos y menor cuando la distancia es de un tono y un semitono.

Cuartas. Es la distancia que hay entre cuatro notas.

Quintas. Es la distancia que hay entre cinco notas.

Sextas. Es la distancia sonora que separa a seis notas.

La sexta mayor contiene cuatro tonos y un semitono, la sexta menor contiene tres tonos y dos semitonos.

Séptimas. Es la distancia sonora que separa a siete notas.

La séptima mayor contiene cinco tonos y un semitono, está a medio tono de la octava

La séptima menor contiene cuatro tonos y dos semitonos, está a un tono de la octava.

Octavas. Siempre contiene cinco tonos y dos semitonos, por esta razón las octavas no son ni mayores ni menores, siempre son justas (del mismo tamaño).

L

Líneas y espacios adicionales

Cuando por altura los sonidos se salen del registro del pentagrama se utilizan las líneas adicionales. Suponen una ampliación del pentagrama aumentando así el número de líneas y espacios temporalmente.

M

Melodía

La melodía es un conjunto de sonidos percibidos como una sola entidad. Se desarrollan en una secuencia lineal y horizontal, y tiene una personalidad y significiado propio dentro de un entorno sonoro concreto.

La melodía se considera el primer plano sonoro respecto del acompañamiento de fondo. Una línea melódica no tiene por que ser una melodía en primer plano. Esto se denomina contracanto.

Se suelen formar por una o más frases musicales repetidos a lo largo de una obra musical.

Habitualmente se suelen repetir modificando las alturas, el ritmo incluso el timbre. A este proceso se le denomina variaciones.

Monofonía

Monofonía. (del griego "Mono = una, phonos = sonidos, melodías”) . Música en la que suenan una única voz melódica.

N

Notas

Las notas musicales son siete DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI.

Podemos repetir la serie de siete notas tanto por encima y por debajo de cualquiera de ellas.

... DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI, DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI, DO, RE...

Las notas representan la altura de los sonidos. La situación en el pentagrama nos dirá si un sonido es más agudo o más grave que otro.

P

Pentagrama

Es el entorno donde se escriben las notas y signos en el sistema de notación musical. Se utilizan cinco líneas paralelas y los cuatro espacios que quedan entre ellos.

Polifonía

Polifonía. (del griego "polis = muchas, phonos = sonidos, melodías”) . Música en la que suenan simultáneamente varias voces melódicas.

Pulso

El pulso es la unidad básica para medir el tiempo en la música. Consiste en una sucesión constante de pulsaciones que se repiten dividiendo el tiempo en partes iguales.

R

Ritmo

El ritmo se define como una sucesión regular de pulsos fuertes y débiles que por lo general producen una ordenación de los sonidos. El oyente percibe una sucesión de pulsos fuertes y débiles a lo largo del tiempo, de manera que su mente forma una estructura formal incosciente. Esto provoca que la mente sea capaz de anticiparse a cada pulso, y sepa cuando va a efectuarse. La forma de organizar el ritmo es mediante el compás, el cual se forma creando un patrón que se repite. La frecuencia de esta repetición puede ser regular o irregular.

S

Silencios

Son signos que representan la ausencia o interrupción de sonido. Cada figura de nota tiene su correspondiente figura de silencio.

Sistema Tonal

Es una organización jerárquica de las relaciones entre las consonancias y disonancias. En occidente, la música que nuestro oído está acostumbrado a escuchar se rige por una serie de reglas musicales basadas en la escala diatónica (escala musical formada por intervalos de segunda consecutivos). Los intervalos de una escala diatónica (mayor o menor) tiene cada uno una relación predeterminada entre ellos.

I (primer grado): tónica

II (segundo grado): supertónica

III (tercer grado): mediante

IV (cuarto grado): subdominante

V (quinto grado): dominante

VI (sexto grado): superdominante o submediante

VII (séptimo grado): sensible (en la escala diatónica mayor) o subtónica (en la escala diatónica menor).

Cada nota o acorde de una tonalidad recibe un determinado nombre o grado musical según la posición que ocupa en la escala diatónica. Se establece una jerarquía entre ellos.

El primer grado (I o Tónica) es el más importante, y es el que indica la tonalidad en la que se encuentra la obra musical.

El quinto grado (V o Dominante), define una función dominante de tensión o inestabilidad. Este grado tiene a resolver en un sistema Tonal hacia el primer grado.

El cuarto grado (IV o Subdominante), establece cierta tensión o inestabilidad. Puede usarse como intermediario hacia la dominante.

Sonidos Consonantes

Se dice que un conjunto de sonidos son consonantes cuando el oído los percibe de forma distendida. Es decir, no los rechaza. Estos intervalos dan sensación de reposo musical. Esto se debe gracias a que coinciden en un gran número de armónicos. Se consideran intervalos consonantes la octava justa, la quinta justa, la cuarta justa, la tercera mayor, la tercera menor, la sexta mayor y la sexta menor.

Sonidos Disonantes

Son aquel conjunto de sonidos que el oído percibe con tensión, por lo que nuestro oído acostumbrado a la música tonal tiende a rechazarlos. Suelen ser intervalos disonantes los compuestos por sonidos separados por una segunda menor, segunda mayor, cuarta aumentada (tritono), séptima menor y séptima mayor. La tensión que crea la disonancia "pide” psicológicamente su resolución en una consonancia.

T

Tesitura

Es la zona de extensión de sonidos de frecuencia determinada que es capaz de emitir el instrumento musical.

Timbre

Es el matiz característico de un sonido. Los sonidos son un complejo sistema de ondas simultáneas, que nosotros percibimos como una sola. Estas ondas son los armónicos. El timbre de un sonido dependerá de la cantidad de armónicos y de la intensidad de cada uno de ellos.


Page:  1  2  3  4  5  (Next)
ALL